下面讲的一些结论性的东西将类型片和好莱坞的制片厂制度排除在外。
导演是讲故事给观众听的人。
创意就好比未成形的故事，编剧是写着纸上的故事，摄像是拍故事的，剪辑、美术、灯光、特效是帮助导演把故事说好的，制片是最重要的工作是把故事推荐给观众的。
举一个我比较熟悉的例子。以下的很多内容直接来源于我们学校戴锦华老师课上讲授，我在这里只是概括一下她的意思。
塔科夫斯基的《飞向太空》（Solaris）是一部科幻片，也是一部小说改编之作。相对于他很多其他名作，比如《镜子》《乡愁》，这些都是原创的剧本，塔科夫斯基同时也担任编剧一职。
而《飞向太空》直接来源是史坦尼斯劳·莱姆 （Stanislaw Lem）的小说，但是这部科幻电影史上的杰作并没有因为原作珠玉在前而显得平庸，相反，塔科夫斯基用“电影语言”再现了莱姆的哲学思考。
也就是说，作为导演，他成功地讲好了一个故事。
“电影语言”含义广泛，也不是很深奥玄妙的东西，只要与我们日常的语言系统做个对照，然后在时空方面做相应扩展，大致的意思人人就能理解。比如场面调度、机位、蒙太奇、色彩、造型等等。在这里不做过多阐述，如果感兴趣的话可以看相关的书籍。可能看了这些书，自然就会明白，导演在电影语言方面起到的重要作用，以及导演对一部电影的决定性作用。
继续说《飞向太空》。
影片其中一个重要的主题是反人类中心主义。在科幻小说中，人类主义一般有以下的含义：
1 我们是万物之王 地球上的万物都是“我”的客体
2 我们的宇宙想象和探寻 的核心和终极目的 是寻找外星智慧 （找“人”）
文学原著中，这一主题的传达通过的是文学上的各类手法，人物的塑造和环境的摹写等等，我对文学不了解，也不瞎说了。
而电影中，肯定不能这样将主题直接写在台词里，细腻的心理活动仅仅通过演员的面部和肢体动作无法全然传达到位，所以此时导演为了将这个故事，这个原著中十分关键的主题传递清楚，他就必须调用各类视听语言，此时灯光、特效、美术、摄影是为他所用的，也是需要为整个片子服务的。
按照这个思路，我们来详细看一个例子。
影片中延续和贯穿的镜头语言方式是主人公一直处在“被看”的位置上。
一般来说，故事片中摄影机模仿的是人的视点镜头，更多时候，模仿的是主人公的观察世界的角度。就比如最近娄烨的《推拿》中小马复明的一段就特别明显地说明了这一点。而这部电影里，摄影机有一个非人格化的体现，是自主的他者。
可以这样说，这个他者的角度是富于原创性的，导演所创造出来的反人类中心主义的表述。
片头，首先呈现了一个诗意的长镜头。摄影机摇拍捕捉物像：湿地 沼泽 木屋 ，这就建立了一种 绝对颠覆了好莱坞的语法语言的语言风格。因为在好莱坞语法语言中，电影如果从从空镜头开始，一定会有一个视点依据。但是这部片子是空镜接空镜接空镜，直到主人公入画，也不是看别人，而是“被看”的对象。整个第一段落主宰的是一个“大他者 ”。 这样的镜头语言奠定的一个明确的基调：在这部电影中，人物不能主宰电影画面，人没有特权。
通过以上这一段落的分析，不知道你是否明白了一点导演在将故事讲好这一点上所作出的重要贡献。
之所以选择《飞向太空》作为例子，还有一个原因，因为这部片子在2002年被好莱坞导演索德伯格重拍过，这里没有诋毁索德伯格的意思，但是两相对比很容易发现，同一个故事框架，更先进的特效，可能更加优秀与成熟的制作团队（特效、美术、灯光），都没有办法达到原片的高度。过于流畅的叙事模式和电影哲思、诗情的表达无法共融。也就是说，导演只把把莱姆的原作当做一个故事， 只呈现了故事本身附载的质询和诗情，而没有用电影的方式去自己讲好这个故事。
希望以上能解答你的问题。
